“Yo puedo oír a esa escultura.
Incluso huelo el perfume del hierro al ser cortado por la herramienta eléctrica.
No hay por lo tanto sentidos que no sean estimulados frente al trabajo del grupo conformaderuido [sic].

Esta presente aquí, no solo materialmente en esta sala del museo, la presencia de las obras de tres escultores, una fotógrafa y una artista gráfica. Esta presente en la acción y en el hecho global del artista…”

Fragmento del texto preparado para la participación uruguaya en la 2a Bienal B
Carlos Seveso
Prof. Titular de la Facultad de Bellas Artes
Universidad de la República

Con forma de ruido: Andrés Santángelo, Mariana Pereira, Juan Tolosa, Susi Viera

“El colectivo Con forma de ruido, entiende el arte, en una clave de metáfora de esta verdad experiencial, se ocupa del universo de la escultura, de un modo más multisensorial que unisensorial.

[...] se presenta como una alternativa a la exploración escultórica, a través de una realización performática, que se asocia al proceso de la escultura, nutriéndose de su contexto sonoro, del espíritu que este genera, realizando una exploración de este lenguaje a través una dimensión inédita.”

Fragmento del texto preparado para la participación uruguaya en la 2a Bienal B
Fernando Martínez Agustoni
Profesor de las Facultad de Bellas Artes
Universidad de la República

En la 2a edición de la Bienal B se presentaron obras de Javier Abdala, Andrés Santángelo, Juan Tolosa y el colectivo Con forma de ruido.

Casco número 1. Por Andrés Santángelo

Bodegón número 1. Por Andrés Santángelo

Enlaces

www.conformaderuido.blogspot.com
www.bienalb.org
javierabdala.wordpress.com

Suponemos que “arte joven” es el arte que hacen los jóvenes. Ser joven en Uruguay es motivo de debate y charlas por todos lados.

El rótulo “joven” es tan relativo que habría que explicar un poco porqué es necesario usarlo, de lo contrario se podría pensar que es un capricho, como decir “arte gay” o “arte negro”. Las clasificaciones ponen un  mojón referencial para ayudar- a veces- al lego a rumbearse en el tupido universo del arte, pero pueden significar lentes deformantes y polarizantes en la percepción directa de la obra de arte, y quitar libertad para que cada uno haga su propia apreciación, y se conozca a sí mismo por ello.

Entrevisté gente joven con cabeza de viejo (no en sentido peyorativo sino biológico) y gente vieja con cabeza de joven. Cómo es el arte de cada uno? el del joven viejo es un arte maduro, científico y diría darwinista. El del viejo joven es un arte ingenuo, poético, renovado cada vez, es decir, más “joven”. Hace quince años entrevisté a dos jóvenes con cabeza de jóven; su arte era jóven y hoy tienen un estilo y son artistas con trayectoria y todavía tienen mucho para dar. Naturalmente, también su arte maduró.

Hace quince años también entrevisté a maduros- edad media y su obra se mantiene madura y brillante.

Entrevisté también a un viejo con cabeza de joven pero que era consciente de que estaba jugando los descuentos, pues bien, su trabajo último se trata de los viejos “la vejestoriada” o la gesta heroica que deben sufrir los ancianos en su último tramo, entre otras cosas porque los jóvenes se olvidan muchas veces de ellos. Este mismo artista usa a los llamados nuevos medios de una forma que muchos jóvenes quisieran y no es el único; encontré otro consagrado artista que crea imágenes maravillosas cien por ciento virtuales.

Sin duda encuentro esta expresión, más “joven” que la de otro artista joven, que valiéndose de los nuevos medios, realiza cuadros enormes que artistas jóvenes realizaban hace cuarenta años.

Refiriéndonos a los artistas en ciernes, o jóvenes que se inician en el arte, hemos observado varias expresiones en diversas muestras organizadas por el proyecto “plataforma” del MEC, que como su nombre lo indica, es la posibilidad de mostrar obras realizadas por este sector de la juventud que opta por el arte y por lo cual ya muchos se consideran “artistas”. También hemos visto algunas de estas expresiones en el Museo Nacional de Artes Visuales, a través de distintos proyectos llevados adelante por Jacqueline Lacasa- ex Directora del MNAV. Podríamos decir que un espiral repelente de mosquitos dialogando con una espiral de Gurvich es una expresión juvenil, por su rebeldía y por su necedad. Algo así, como un retrato de Joaquín Torres García dibujado con tiza sobre pizarra  en dos piezas y sostenida por tres palos viejos y carcomidos…esta obra ganó en el 52 Premio Nacional una beca para su autor, que otorga un país extranjero a las jóvenes promesas.

¿Habría sido válido decir en su momento arte joven al referirse a la obra de Picasso, Duchamp, o de Ernst?

Supongo que el período de juventud en que muchos optan por el arte se dedica mayormente al aprendizaje, y cuando cumplen este período básico, de alguna forma “se reciben”, y no hacen “arte joven”, como un médico recién recibido no hace “medicina jóven”.

Los nuevos medios y la interacción disciplinaria, ya tienen un lugar ganado en el universo del arte, cumplieron mayoría de edad, aunque comparado con el arte clásico, sean “nuevos”. Creo que la edad o un “arte joven” no tiene nada que ver con el medio de expresión o soporte. Septuagenarios pintores se largan a la instalación, veinteañeros toman el pincel y se aproximan cuidadosamente a la tela.

Mientras escribía esto, me acordé de Gustavo Tabares,  Fernando López Lage, Wifredo Díaz Valdéz, Anhelo Hernández, Cecilia Vignolo, Francisco Tomsich, Federico Rubio, Pablo Casacuberta, Paulino Duarte, Eduardo Cardozo, Javier Abreu, Osmar Santos, Gustavo Fernández, Juan Manuel Rodríguez. También de nuestra querida Margaret White y de Federico Arnaud.

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Pablo Thiago Rocca  tituló a una nota publicada en 2006 en Brecha 1: Larga Vida a la entrevista. Es cierto, en esta tercer época del programa, la búsqueda de la palabra del artista y un acercamiento a su pensamiento de la forma más sensible y natural posible se ha priorizado por encima de otros formatos televisivos.

En esta etapa además de la emisión semanal surge el archivo como acervo no premeditado. Se conservan videoentrevistas de maestros de la pintura uruguaya, como últimos  mensajes registrados en vida: Dumas Oroño, Manuel Espínola Gómez, Guillermo Fernández, Hugo Nantes.

Ficha Técnica

El Monitor Plástico
Año IV Época III

2006-2007-2008-2009.

Duración: 28´
Frecuencia: semanal más repetición
Emisión: Televisión Nacional de Uruguay- canal 5
Sábados 17 hs. / Domingo 02.30 hs.
Idea y Dirección: Pincho Casanova
Producción: Macarena Montañez
pozodegua televisión / MULTIMAGEN

Contenido: video entrevistas a artistas del país, de la región y del mundo, en sus lugares de trabajo, exposiciones o galerías. Comentarios especializados, eventos especiales de arte, bienales, salones y colecciones.

Objetivos: fortalecer a través  del medio televisivo la actividad plástica y visual nacional, difundiendo, documentando e informando sobre el quehacer artístico  en estas disciplinas. Generar un archivo sobre artistas plásticos del Uruguay. Cumplir con la función de “acelerador cultural” desde la pantalla de Tv. y otros medios.

El Monitor Plástico proyecto creado y dirigido por Pincho Casanova, propone un acercamiento al campo de las artes visuales a través de la difusión del pensamiento y obra de los artistas uruguayos dentro y fuera de fronteras (1), así como la conformación de un archivo compuesto hoy por más de ciento veinte horas de entrevistas realizadas a artistas nacionales y extranjeros.

El Monitor Plástico comenzó a emitirse por primera vez por Canal 5 en Octubre de 1994, temporada que se extendió hasta el año 1995; entre otras actividades se inició en vivo desde el Cabildo de Montevideo la primer página web de arte uruguayo en el marco de una muestra colectiva con obras de artistas entrevistados. Años más tarde en el 2000 volvió a la pantalla de la televisión nacional ofreciendo un nuevo formato; la tercer época comienza el 3 de Enero de 2006 y continua sin interrupciones hasta el presente, emitiéndose los días Sábados a las 17hs. por TNU.

Durante esta tercer época, se han realizado más de 100 programas de 28 minutos, sobre artistas contemporáneos de Uruguay y especiales ante la presencia de personalidades del exterior, muestras y salones; veinte programas fueron emitidos por Tv Ciudad durante 2006 y 2007.

Se destacan ciclos especiales:

Buenos Aires- 2009: León Ferrari, Adolfo Nigro, Luis Felipe Noé y Alfredo Sábat; 53 Bienal de Venecia- Set. Oct 2009 (seis programas de 28 minutos); 52 Bienal de Venecia junto a Ernesto Vila, la Documenta de Kassel y Skulptour Projekte 07 de Münster en Alemania (siete programas de 44 minutos) durante Setiembre y Octubre de 2007.

Notas

1. La emisión al aire por televisión pública permite que el programa llegue a todo el país, se estima una audiencia de más de 40.000 personas. El público es heterogéneo, contrariamente a los prejuicios que indican que el arte es para las élites. A El Monitor Plástico lo ven niños y lo personas  mayores de diferentes condiciones socio-económicas.

El MRREE adquirió varios juegos de colecciones editadas en DVD para su distribución en distintas regiones del mundo a través de sus Embajadas.

En 2007 ganó el premio Farol de Plata otorgado por el Ateneo de Montevideo.

En 2009 recibe el Premio Morosoli de la Fundación Lolita Rubial.

www.elmonitorplastico.com

]]> http://www.portaluruguaycultural.gub.uy/2010/03/el-%e2%80%9carte-joven%e2%80%9d-visto-desde-el-monitor-plastico/feed/ 0 http://www.portaluruguaycultural.gub.uy/2010/01/memorial-detenidos-desaparecidos-de-latino-america/ http://www.portaluruguaycultural.gub.uy/2010/01/memorial-detenidos-desaparecidos-de-latino-america/#comments Mon, 04 Jan 2010 20:23:17 +0000 antar http://www.portaluruguaycultural.gub.uy/?p=5866 Plaza de los desparecidos
Rivera y Jackson

El viernes 11 de diciembre de 2009 fue inaugurada la obra del escultor uruguayo Daniel Escardó en memoria de los detenidos desaparecidos de Latinoamérica en la plaza de los desaparecidos Rivera y Jackson.

La selección de esta escultura fue realizada en un concurso de la intendencia Municipal de Montevideo en el mes de Julio del 2009. El jurado estuvo integrado por la Sra. Milka González de Prieto en representación de Familiares de Detenidos Desaparecidos, contando con doble voto, Samuel Sztern, Director de la Escuela Nacional de Bellas Artes, Arq. Patricia Roland y Arq. Silvia González por la IMM. La obra fue elegida por unanimidad de votos.

Es la primera obra aérea urbana que se emplaza en la ciudad de Montevideo, con características inusuales para nuestro medio.

La escultura de Escardó está realizada en Acero, aluminio y policarbonato, y son manejados en su diseño, conceptos contemporáneos de vanguardia.

La estructura central de la obra representa el río o transito de la vida, las platinas de acero que la sostienen representan, el corte y la herida que se produce en las décadas (1960-1990). Las placas de policarbonato figuran la evanescencia, estas reaccionan ante la luz llegando a volverse casi invisibles con algunas condiciones de luz.  Los objetos de aluminio que unen la estructura central y que tienen reminiscencias óseas hacen referencia a la presencia humana.

La placa debajo de la escultura intenta explicar para cualquier persona que desconozca los hechos, a manera de síntesis, lo sucedido:

Durante las décadas del terrorismo de estado en América Latina  (1960-1990) miles de personas, fueron detenidas y desaparecidas al enfrentar la opresión.

Esta obra evoca su presencia y su lucha por un mundo mejor.

[mappress]

Créditos

Intendencia Municipal de Montevideo
Familiares de Detenidos Desaparecidos
Daniel Escardó

Mundo de Nueva York II, 1971 / Óleo / tela, 62 x 77 cm © Museo Gurvich - Montevideo – Uruguay

El Museo Gurvich fue inaugurado en el 2005 por iniciativa de la Fundación del artista. Se trata de un emprendimiento privado de interés público que cuenta con la Declaración de Interés  de los Ministerios de Cultura, y de Turismo y de la Intendencia Municipal de Montevideo.

Su acervo supera las 200 obras, entre óleos, obras sobre papel, murales, esculturas y objetos, organizadas  en  6 salas, en exposición permanente. Cuenta además con biblioteca, sala de lectura y tienda de regalos “giftshop”.

A pesar de tratarse de un museo de autor, no limita su función a la promoción de la obra de Gurvich; desarrolla también actividades culturales no vinculadas al artista, convirtiendo al museo en un espacio abierto, en la búsqueda de posicionarse como un referente del arte local, para uruguayos y visitantes.

Forma parte de su misión, “desarrollar actividades educativas, de investigación y promoción cultural en estrecho contacto con la comunidad, respetando los estándares internacionales en la a propuesta museística”

Una guía para el ojo

Mujer universal, c. 1970 / Cerámica, 26 x 2 x 22 cm © Museo Gurvich - Montevideo - Uruguay

Para su principal objetivo, el de dar a conocer la obra de José Gurvich, el museo ofrece el servicio de visitas guiadas en tres formatos: visitas coordinadas para grupos, ya sean escolares o adultos; las visitas narradas a cargo de la narradora Niré Collazo; y las llamadas visitas en familia que se desarrollan todos los sábados.

Las visitas coordinadas para grupos están pensadas para el vínculo con distintos sectores de la población: escuelas públicas, colegios privados, organizaciones sociales y barriales, grupos de tercera edad, universitarios, etc. mediante actividades diseñadas especialmente para cada grupo (pieza de teatro infantil, valija didáctica, charlas informativas, conferencias especializadas). Por este servicio los grupos infantiles deberán pagar $30 por niño y los adultos $60. Según nos informa la Directora Ejecutiva Silvia Listur, los días Martes las escuelas públicas que no estén en condiciones de pagar, tienen derecho a recibir este servicio de forma gratuita.

Una forma amena de conocer el museo es a través de las visitas narradas, un recorrido especial para niños, donde se cuentan anécdotas sobre la vida y las obras de Gurvich. Estas visitas deben también coordinarse con anticipación y tienen un costo de $50 pesos por persona.

La última propuesta es también diseñada para la población infantil. Visitas en familia invita a los visitantes más pequeños que llegan acompañados de sus familiares, a desarrollar un recorrido didáctico con el pretexto de resolver un juego de preguntas y respuestas sobre las obras de Gurvich, actividad que los obliga a observarlas con detenimiento, premiándolos en el final con una barra de chocolate. El costo es de $50 por niños y $30 por adulto (precio general de la entrada).

Además de Gurvich

El museo desarrolla además distintos servicios a la comunidad, en coordinación con otras instituciones, con el objetivo de acercar el arte a la sociedad.

Tal es el caso de El Programa de Desarrollo de Vocaciones Artísticas, concebido con el apoyo del Fondo Canadá, MEC-MIDES, ANEP, CUTCSA y MTOP, pensado para niños de escuelas primarias de contexto crítico, que se llevó a cabo en el año 2008 y pretende retomarse en el 2010. El objetivo de dicho Programa consiste en ofrecer a los niños clases de expresión musical, plástica y literaria, “como forma de afianzar el gusto y la formación en estas disciplinas”. Se trabaja en grupos de 12 alumnos seleccionados, que manifiesten “condiciones destacables” para el arte. El museo es el encargado del suministro de materiales, instrumentos, lugar y docentes.

A este Programa se le sumaría un Taller de Fotografía, en coordinación con Fotoclub, pero debido al atraso del presupuesto que se recibe, no ha sido posible implementarlo para este año.

Existen además actividades formativas para adultos, como cursos, conferencias y seminarios, presenciales en internet, vinculadas a la investigación en arte y la gestión cultural.

A su vez ofrece alquiler de sala para actividades culturales y sociales externas, ya sean inauguraciones, presentaciones de libros, teatro, eventos musicales, etc. siempre y cuando encuadren en las líneas de trabajo que tiene el museo.

¿Quién fue José Gurvich?

José Gurvich figura fundamental del movimiento constructivista, es reconocido como un artista referente del arte nacional.

Nacido en Lituania en 1927, emigró a Uruguay en 1933, estudió violín y se vinculó tempranamente con las artes plásticas, en principio con su ingreso a la Escuela de Bellas Artes donde asistió al curso de José Cuneo, y posteriormente vinculándose con el Taller Torres García, que lo introdujo al arte constructivo, y le permitió ejercer la docencia, además de participar en numerosas exposiciones colectivas.

Desde mediados de los 50, viaja por diversos países de Europa, realiza una exposición en la Galería San Marco de Roma y un año después se instala en un kibutz en Israel, donde continúa su investigación plástica convertido a pastor. Es allí donde se produce un notable cambio en la obra del artista, que se lo atribuye al reencuentro con sus raíces judías.

En 1956 expuso en la Galería Katz en Tel Aviv. Esta fue la primera de varias estadías y exposiciones en Israel.

Nuevamente instalado en Montevideo, se reincorpora al Taller Torres García hasta su clausura en 1962, enseñando dibujo y pintura.

En 1967, expone en la sede de la Comisión Nacional de Bellas Artes.

En 1969 se reunió con sus colegas del Taller en Nueva York en ocasión de la muestra retrospectiva de Torres García en el Guggenheim Museum.

Fallece repentinamente, de un ataque al corazón, en junio de 1974, dejando varios proyectos truncos en Nueva York.

La prolífica obra de Gurvich, integra, en sus múltiples soportes, mecanismos del arte constructivo, elementos de la iconografía religiosa judía, registros de su vivencia en Montevideo, Israel y Nueva York, y exhibe también su admiración por los artistas Brueghel y Bosch.

Constructivo, 1952 / Óleo / cartón, 87 x 52 cm

Enlaces

]]> http://www.portaluruguaycultural.gub.uy/2009/11/museo-gurvich-ademas-de-gurvich/feed/ 0 http://www.portaluruguaycultural.gub.uy/2009/10/53-bienal-de-venecia/ http://www.portaluruguaycultural.gub.uy/2009/10/53-bienal-de-venecia/#comments Mon, 05 Oct 2009 16:36:00 +0000 antar http://www.portaluruguaycultural.gub.uy/?p=757

Sobre el envío de Uruguay

Para el Programa de Artes Visuales de la Dirección Nacional de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura, ser parte de la organización del envío de Uruguay a la 53ª Bienal de Venecia es un privilegio y un honor. Esta es la segunda edición en la cual participamos como equipo en la coordinación del envío. Lo hicimos en la anterior, cuando el artista designado por una comisión fue Ernesto Vila, con curaduría de Enrique Aguerre; y lo volvemos a hacer ahora, cuando también una comisión, designada por el Sr. Director de Cultura, Prof. Hugo Achugar, integrada por destacadas personalidades del medio cultural del país, como son Alicia Haber, Jorge Abbondanza, Alfredo Torres, Gabriel Peluffo Linari y Pablo Thiago Rocca, designan a tres importantes artistas uruguayos para que nos representen en este evento, uno de los más importantes del mundo en materia de artes visuales.

Los artistas elegidos son Raquel Bessio, creadora de larga trayectoria, reconocida por sus impecables y críticas instalaciones. Juan Burgos, artífice de estupendos collages ante los cuales es imposible mantenerse inmutable. Y Pablo Uribe, artista que nos somete reiteradamente a la contemplación reflexiva, como debe ser cuando una obra dispara imágenes que generan pensamiento crítico.

En cuanto a la curaduría, ésta quedó a cargo del Prof. Alfredo Torres, crítico, curador y artista de gran actividad en nuestro medio. El comisariado del envío lo realiza la Sra. Patricia Bentancur, también curadora y artista de trayectoria, con una intensa actividad en cualquiera de esas áreas y en la gestión cultural. Ambos trabajan en equipo en cuanto al guión curatorial y a las tareas organizativas.

(fragmento del texto publicado en el catálogo)
Coordinador Programa Artes Visuales
Gustavo Tabares

Sobre el Premio Nacional de Artes Visuales Hugo Nantes

El Premio Nacional de Artes Visuales sigue siendo, sin ninguna duda, el más importante y prestigioso concurso dentro del campo de las artes visuales a nivel nacional. Esta es la edición número 53º del certamen que comenzó en 1937, impulsado por el Ministro de Instrucción Pública Eduardo Víctor Haedo. El Primer Salón Nacional se exhibió en la planta alta del Teatro Solís y participaron entre otros, Joaquín Torres García, Pedro Figari, José Cuneo y Petrona Viera. El Salón se llevó a cabo ininterrumpidamente hasta el año 1983. Luego de su desaparición durante algunos años se logró una nueva edición en el año 2001 y su exhibición fue en el Museo Nacional de Artes Visuales.

En la anterior edición, la número 52º, se tomó la decisión de que el Premio Nacional llevara el nombre de un prestigioso artista nacional, aún vivo. En esa oportunidad se eligió acertadamente a la artista María Freire. El 53º Premio Nacional lleva el nombre de otro gran artista como lo es Hugo Nantes, pintor y escultor del departamento de San José. De esta manera se quiere reconocer su trayectoria y aporte al arte nacional. La obra de Hugo Nantes se encuentra en colecciones públicas y privadas en Uruguay, como la del Museo Nacional de Artes Visuales, y en el exterior. Nantes, en diversas ocasiones, representó a nuestro país en el exterior tanto en bienales internacionales como en exhibiciones de prestigiosos museos. El Premio Nacional pretende dar apoyo, divulgación y reconocimiento a nuestros creadores, también fomentar el acceso a los bienes patrimoniales al mayor y más diverso público posible, generar diálogo, discusión y debate, y ser un encuentro entre los artistas sus obras y el público, en el libre ejercicio del juicio y la reflexión crítica.

(fragmento del texto publicado en el catalogo)
Coordinador Programa Artes Visuales
Gustavo Tabares

Autoridades

Ministra de educación y cultura / Ing. María Simón
Subsecretario de educación y cultura / Dr. Felipe Michelini
Directora general / Dra. Panambí Abadie
Director nacional de cultura / Dr. Hugo Achugar
Coordinador general de proyectos culturales / Gabriel Calderón
Coordinador del programa artes visuales / Gustavo Tabares

Jurado

Alfredo Torres, Alicia Haber, Cecilia Mattos, Eduardo Cardozo, Ernesto Muñoz, Fernando Álvarez Cozzi, Llilian Llanes Godoy, Pablo Thiago Rocca, Patricia Bentancur

Organizadores

Coordinación general/ Gustavo Tabares
Producción general / Verónika Herszhorn Balestra
Asistente de producción / Clotilde Maisuls, Martín Barea Mattos
Diseño gráfico / I+D_diseño
Fotografías / Andrés Cuenca
Diseño y realización de montaje / Nicolás Infanzón

Agradecimientos

Marta Romero, Jacqueline Lacasa, Marita Bardanca, Silvia Gutiérrez, Plataforma, Centro Cultural de España, Insituto Goethe, La Compañía del Oriente y a todas aquellas personas que hicieron posible la realización del 53º Premio Nacional de Artes Visuales Hugo Nantes.