Froo
Esta historieta se publica desde el año 2002 en el diario Ultimas Noticias de Montevideo y en diarios del interior: El Telégrafo de Paysandú, Hoy Canelones de Canelones, Irupe de Dolores, Ecos Regionales de Trinidad, El Heraldo de Florida, y El Este de Rocha.

La madre que lo pario
Se publica desde el ano 2007 en La República de Montevideo y en las ediciones locales de Salto y Maldonado.

“… este libro intenta rescatar parte de los procesos creativos que se fueron generando durante estos seis meses de taller. La posibilidad de encontrar y construir espacios de encuentro que nos permitan descubrir quienes somos así como también poder escucharnos y crecer desde el intercambio de ideas y experiencias, en un dialogo horizontal y sincero fue desde el principio una de las premisas que con mayor interés teníamos al comenzar este taller de historietas.”

Jorge Mato
Tallerista de Historietas

El presente material reúne las obras creadas por adolescentes que concurrieron al Taller “Historietas_33”, organizado por la Dirección Nacional de Cultura_MEC y la Dirección de Cultura_Intendencia Municipal de Treinta y Tres, durante el año 2009 en el Departamento de Treinta y Tres. Dicho taller forma parte del “Proyecto de Formación Artística para Niños/as y Adolescentes” que comenzó sus actividades en el año 2007 en distintos barrios del Departamento de Montevideo y del interior del pais, trabajando con población que por diversos motivos (sociales, económicos, geográficos y/o emocionales) tienen escaso acceso a los servicios culturales.

Entrevista en línea

¿En qué etapa se encuentra el proyecto de animación de Anina Yatay Salas y qué puedes contarnos sobre él?

Estamos en etapa de producción, armando una versión en bruto del total de la película para luego entrar en un largo período de postproducción y correcciones. En animación las etapas son mucho mas largas que en el cine en vivo y se van superponiendo durante largos períodos.

Nuestro foco está puesto en las cualidades artísticas, la estética, la narrativa, etc. Y sobre todo estamos cuidando la relación con el espíritu del texto original.

¿Cómo ves el panorama de la animación nacional en la actualidad?

En el caso de la animación hay varias puntas. Por un lado están las experiencias de gente como Walter Tournier, que ha desarrollado un camino en la creación de obras propias. Por otro lado está lo que se ha desarrollado desde las productoras de publicidad y/o multimedia,  donde la animación se ha desarrollado orientada a los servicios publicitarios, pero que también han dado paso a diferentes tipos de proyectos singulares, por ejemplo “Catalina y un mundo de niños” de Coyote o “Ana la rana” de Transparente. Y por otro lado hay un montón de gente que tanto en forma particular o desde algunos medios de comunicación alternativos han desarrollado diferentes tipos de animación con muy variados fines y aplicaciones. En Uruguay existe animación de todo tipo, lo que escasea son películas y series de tv. El punto es que el medio local no parece ser muy favorable para el desarrollo de obras audiovisuales de animación, especialmente si son de gran escala como un largometraje. Al igual que lo que sucede con el cine, los proyectos se viabilizan solo a través de los concursos por fondos de fomento: FONA, ICAU, Mvd Socio, IBERMEDIA. En nuestro país no hay un historial de producción de animación, lo que hace difícil contar con jurados que puedan evaluar con claridad los aspectos particulares del género y también dificulta la elaboración de bases que contemplen esas particularidades, tanto en los procesos de desarrollo artístico como en las necesidades administrativas. No obstante esto, en el circuito de los proyectos cinematográficos, la animación ha tenido muy buena receptividad en los últimos años y hoy tenemos en proceso de producción los dos primeros largometrajes de animación que se harán en Uruguay, Selkirk de Tournier y nuestro proyecto AninA.

¿Y el de la ilustración infantil?

Respecto a la ilustración infantil, en los últimos 10 o 15 años ha habido una explosión, tal vez porque a través de internet hay mas posibilidades de ver lo que otros están haciendo por fuera del circuito comercial. La comunicación hace que los caminos estéticos se vuelvan mas internacionales, que haya mas mezcla e intercambio y la ilustración en si es una disciplina muy dinámica y variada. En cuanto a las posibilidades de desarrollar una carrera profesional, es similar a otras disciplinas, hay que tener muchas ganas. El mercado se reduce a lo que publican tres o cuatro editoriales y en los “modelos de negocios” de éstas no hay mucho espacio para propuestas donde la ilustración sea lo central. Hay poco margen para hacer proyectos integrales donde la ilustración y el diseño gráfico dialoguen con armonía, en general se adaptan las propuestas a las características de las colecciones. También es muy caro publicar libros de alta calidad gráfica en Uruguay y las posibilidades comerciales son acotadas por la escala. Igualmente estaría bien que quienes producen tomaran algunos riesgos y hagan libros mas interesantes desde el punto de vista gráfico y material, al menos uno cada tanto. Existen algunos casos, pero son pocos. Igualmente hay que reconocer el trabajo que han hecho algunas editoriales para desarrollar y vender literatura infantil uruguaya. Tal vez el camino para desarrollarse profesionalmente como ilustrador no es solo el mercado editorial, pero en todo caso creo que en este campo queda mucho para hacer. Existe mucho talento, hacen falta oportunidades para generar buenos libros gráficos.

¿Qué opinión te merecen las nuevas políticas culturales que promueven posibles financiamientos para las creaciones artísticas?

Los Fondos Concursables me parecen algo excelente desde muchos puntos de vista, el espíritu de expandir y democratizar la cultura viabilizando pequeños y medianos proyectos en muchas disciplinas es algo sumamente productivo. La modalidad de apoyos en pequeña y mediana escala a tantos proyectos a través llamados abiertos genera mucha dinámica en la actividad cultural. Uno se pregunta por qué se había hecho tan poco al respecto anteriormente.

El Fondo de Fomento del ICAU ha multiplicado las posibilidades de desarrollo y concreción de proyectos audiovisuales, si bien el camino para completar los fondos para una película sigue siendo largo, ha aumentado la cantidad de proyectos en carrera.

El Fondo de Incentivo (FI) tal vez dé resultado en algunas áreas en las que las empresas estan habituadas a invertir con la modalidad de apoyos a la cultura, pero creo que necesita muchos ajustes. En lo que tiene que ver con el cine es una herramienta difícil de usar, en primer lugar porque el audiovisual es caro y el sector privado no suele invertir mucho en él, y por otro lado porque la ecuación para los apoyos dirigidos a proyectos particulares no resulta muy tentadora.

Mas allá de todo lo que seguramente se irá procesando y corrigiendo, hay que destacar que en términos generales, lo que se ha hecho en los últimos años en cuanto a los apoyos financieros para la cultura es muy bueno, no tiene punto de comparación con lo hecho anteriormente y se ha comenzado a cubrir un gran déficit que teníamos.

En tu experiencia como ilustrador, ¿qué es lo que aporta la ilustración a un libro?  ¿El ilustrador está condicionado por la opinión del autor del libro?

El trabajo del ilustrador de literatura, parte del texto, pocas veces se desarrollan proyectos en conjunto, sin embargo la opinión del escritor casi nunca define las ilustraciones. Esto no sucede porque los escritores no tengan ideas, en general es porque no conocen en profundidad la gran cantidad de variantes que el lenguaje visual ofrece y se limitan a ideas sencillas y literales. Un ilustrador ocn experiencia rápidamente puede generar propuestas mas adecuadas. Cada ilustrador desarrolla universos propios, con sus códigos y sus métodos. Para mi, el trabajo de ilustrar literatura consiste en interpretar y agregar nuevos puntos de vista. Por supuesto que hay libros en los que el imaginario permite mas expansión en el terreno visual que otros. En general lo que se publica en Uruguay de literatura infantil y juvenil es bastante bueno, todos los trabajos resultan agradables de hacer y motivan diferentes ideas para interpretarlos visualmente, pero hay algunos que por diferentes motivos es un verdadero placer ilustrarlos. En mi caso, Anina Yatay Salas fue uno de esos especiales, por eso estamos haciendo esta película.

¿Cuál es tu metodología de trabajo como ilustrador?

En primer lugar leo el texto, lo desgloso y tomo apuntes, intento entender de que viene y que cosas tiene o puede tener detrás de lo meramente descriptivo. Cuando estoy trabajando con un escritor con el que he desarrollado una comunicación fluida le comento cuales son mis ideas. Defino cuales son los momentos que me parecen clave para ilustrar, si se trata de una novela puede llevar de tres a quince ilustraciones, aunque en algún caso he hecho cerca de treinta y cinco y para “El país de las cercanías” hice mas de cien para cada tomo. Para las novelas también decido en que lugar del libro van ubicadas las ilustraciones. En el caso de libros album, generalmente para niños mas pequeños, el trabajo es un poco mas complejo, porque la narrativa va mucho mas ligada a la parte visual, a veces totalmente sostenida en la ilustración. Hay mas posibilidades de intervenir con fuerza en la idea original y transformarla a gusto.

Luego de desarrollar la idea hago varios bocetos, diseños de personajes (si corresponde), investigación de referencias, acumulación de insumos (si va a ser un collage) y defino la técnica en función de las intenciones expresivas. Finalmente hago las ilustraciones y las entrego.

En el particular libro “Mirá Vos” de Fabio Guerra tus ilustraciones se muestran protagonistas, ¿qué nos podés contar sobre ese proyecto?

“Mirá vos” fue uno de esos proyectos que me encantaron desde el principio. A veces hay textos, en este caso los poemas de Fabio Guerra, que me resultan tan inspiradores que es difícil no apropiarse, uno siente que el libro le pertenece y el resultado es una obra profundamente personal. Es como si no me hubieran encargado hacer un trabajo, la sensación es como de haber descubierto algo lindo y “real”. Es como tener una certeza y tener muchas ganas de contarla, supongo que eso define la inspiración.

Los textos en general viven por si solos, pero los libros no son los mismos ilustrados por uno u otro artista.

Además de ilustrar, ¿dibujás?

Supongo que la pregunta se refiere a si dibujo porque si, o para cosas que no tengan que ver con la interpretación de un texto.

Exactamente.

Desde que recuerdo siempre mis dibujos estuvieron relacionados a historias, algunas muy “abstractas”, imaginarias y otras tan simples como una excursión escolar. Con mi hermano jugábamos mucho con personajes planos dibujados en papel y recortados, sobre escenarios que dibujábamos en cartulinas, otras veces en relieve tallado con cuchillos de cocina directamente sobre una mesa de madera.

Ultimamente hago pocos dibujos que no tengan que ver con los proyectos que están en curso o con encargos para libros.

¿Qué consejo le darías a alguien que quiera dedicarse a la ilustración infantil o a la animación?

Creo profundamente que lo mas importante que hay que tener es compromiso, responsabilidad y mucha autocrítica, como en cualquier disciplina. Uno de los errores mas grandes de los estudiantes de arte es creer que cualquier cosa que hagan está bien. Hay que mirar mucho, analizar, prestar atención a lo que otros hacen bien, destripar lo que nos gusta, explorar caminos, reconocer códigos y lenguaje, reconocer la cancha, jugar en el lugar que se pueda, empujar y tratar de agrandar el territorio. Hay que reconocer que los códigos de una disciplina artística no son independientes de los de otras, la música, la pintura, la arquitectura, el cine, la literatura, etc. El consejo es que se tiren al agua y traten de hacer lo mas y mejor que puedan, sin esperar resultados inmediatos.

En la Escuela de Bellas artes asistí al taller de Anhelo Hernández, una vez dijo que la frase “todos los caminos llevan a Roma” no significa que todos los caminos llevan a un mismo lugar u objetivo, sino que lo que estamos buscando está precisamente en el camino, es el propio camino.

Ritual de origen afrobrasileño donde se homenajea a la diosa del mar, donde se congrega una gran multitud en la playa Ramírez durante todo el día. Parte del ritual consiste en armar barcazas de madera o fibras sintéticas, adornarlas con los colores blanco y celeste principalmente, llenarla de ofrendas y lanzarlas al mar cuando cae el sol. El resto de la jornada transcurre entre danzas y ritmos afrobrasileros, limpiezas espirituales, incorporaciones (los dioses del culto entran en el cuerpo de varios de sus fieles), pero también miles de curiosos y turistas que tradicionalmente también acompañan.

Iemenja. Foto: Federico Estol.

Las colectividades presentan sus bailes y músicas típicas, además se elige al Inmigrante del año, recayendo en la persona con más años de haber llegado a nuestro país. Además se hace un numeroso desfile donde algunos participantes se visten con los trajes típicos de la colectividad a la que pertenecen.

Fiesta del Inmigrante. Foto: Federico Estol.

Hace 19 años que entrega su talento por diferentes escenarios donde el tango es bien recibido. En realidad, desde muy niña, los 9, Malena Muyala, inició sin saberlo una carrera que se ha caracterizado por el reconocimiento y el éxito. Tuvo un pasado de tablado como integrante de la Murga BCG, donde interpretó diversos personajes, alternados con un algún tango para despuntar su vicio y vocación, de ese género musical, que hoy la distingue como una de las mejores voces del Río de la Plata.

Este encuentro repasa su pasado, su presente y su futuro artístico, donde Muyala casi a modo de profecía, nos dijo: “el tango es uno solo, es camaleónico por eso siempre vivirá”

Entrevista a Malena Muyala

¿En tu nombre ya está la marca del tango… cuánto y cómo te marcó. Tu familia en tu acercamiento al tango?

Creo que desde la elección del nombre hasta el hacer que el cancionero tanguero se escuchara en mi casa y fuese parte de mis juegos.

¿De qué manera fuiste abriendo, en los primeros pasos de tu carrera, un espacio que casi no existía para el tango en nuestro país?

Desde niña me relacioné con el tango y siempre lo canté e interpreté como una música naturalmente relacionada conmigo. De la misma manera luego ingresé a la Antimurga Bcg donde además de varios personajes interpretaba algún tango y me presenté al primer certamen nacional de tango. Luego de obtener allí el primer premio me dediqué a transitar ese camino que por aquellos años (1991) no tenía muchos cultores. El espacio se fue generando a base de trabajo y perseverancia.

¿Qué repertorio fuiste haciendo tuyo desde tus primeros shows y discos… pienso en un abordaje de un tango más guitarrero y clásico, de los grandes poetas como Manzi, Discépolo, Lepera…

Mi repertorio siempre se nutrió de los grandes poetas del tango, inevitables por la forma de abordar los temas profundos. La guitarra es un instrumento que me acompañó siempre y con el cual siento una gran afinidad. Creo que si bien un contenido puede ser clásico no así lo debe ser la forma. En mi último trabajo discográfico he cultivado y desarrollado la faceta compositiva que se ha ensamblado con los temas clásicos.

En los últimos años se ha afianzado una movida tanguera, sobre todo de mujeres cantantes. cómo ves ese fenómeno y qué te parecen colegas como Francis, Maia, Mónica e incluso otras que se acercaron al género como Laura…

Es un bienvenido movimiento que genera un interés mayor en la gente, una conciencia de que es una música nuestra, que nos identifica y representa. Además de las artistas que mencionas también te nombraría a Valeria Lima, Ana Karina Rossi y Giovanna, todas con estilos propios que enriquecen al género.

¿Qué es lo que te hace sentir cantante de tango más que de otros géneros?

La gente me identifica como cantante de tangos mayormente por el repertorio y hasta creo que por el nombre. Yo soy una intérprete y compositora de canciones en su mayoría tangos y milongas.

¿Qué papel juega la danza en la revalorización actual del tango? Vos bailás?

La danza es una gran puerta de ingreso a conocer y sentir el tango. Luego que estás dentro accedes generalmente a los distintos intérpretes, instrumentistas, orquestas, etc. Bailo gracias a un personaje que hacía cuando actuaba en teatro con La bandita teatrera de la Bcg. Allí nos enseñaron a todo el elenco.

¿Qué diferencia sentís que existe entre el tango porteño y el montevideano?

El tango porteño que se vendió al mundo es una cosa y el tango que escuchas en algunas de las nuevas propuestas tangueras porteñas es otra cosa. Lo mismo pasa en Montevideo, grupos que surgen para replicar lo que ya se hizo antes por demás y grupos que buscan su impronta, su forma de expresarse. En eso creo que las diferencias van más allá de ser de Buenos Aires o Montevideo, radican en lo que cada uno busque.

¿Cuánto y cómo es necesario defender algunos ritmos y géneros que tienen que ver con nuestra historia, con nuestra identidad?

Todo pueblo tiene una forma característica de expresarse. El arte ha sido desde los comienzos de la humanidad la vía fundamental. Perder la identidad es diluirse. Es muy importante defender nuestros ritmos y géneros, ellos nos muestran al mundo y nos diferencian. ¿Cómo? Promoviendo lo nuestro desde los medios de difusión y generando espacios para nuestros artistas.

¿Cuáles son tus tangos preferidos?

Muchos. Todos los que canto, los que me gustaría cantar. Los que compuse y los que estoy por componer. Los mareados, Afiches, Miente, Vuelvo al sur…

¿Qué significa en tu carrera el nuevo disco y dvd “en el Solís”?

Un desafío porque es la primera vez que más allá del audio grabamos imagen y eso hace que sea un material que llega a la gente mostrando la propuesta artística de forma más integral y completa. Además es una herramienta muy importante al momento de hacer conocer la propuesta dentro y fuera del país.

¿Cómo definirías tu estilo como intérprete y también como compositora?

No lo defino, simplemente es.

¿Qué tango es el que está muerto?

El tango es uno sólo y es camaleónico por eso siempre vivirá.

Enlaces

www.malenamuyala.com

www.myspace.com/malenamuyala

1. Introducción _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _

STREET ART MONTEVIDEANO

Técnicas, estilos y artistas urbanos entre los años 2004 y 2008

Hay ganas de pintar la ciudad. Siempre. Mutarla. Redefinirla. Tomarla por asalto. Vivirla como una aventura. Inventarle leyendas. Viajes gráficos. Pongo mi marca. Transformo. No publicidad. No señales tóxicas. Mensajes. Anónimos. O no. Autorreferenciales. O no. Los muros de Obes. Los de Kncer. Plazas. Callejones. Paredes de cementerios. Stencileros. Malacate. Old City. Santa Cruz. Políticos. O no. Mundos privados. O no. La Ronda. Living. El muro de Pratto. Tantos otros. Fotolog. El muro virtual. Especial para stickers. Ponys. Big Lala. Little Cacho. Graff. Stickers. Stencils. Crew. Tags. Marcas. Señales. Rostros. Firmas. Es arte urbano. Sin subtes. Sin trenes. Pero con colores. De una nueva generación que está cambiando la ciudad. Montevideo despierta con nuevas pieles.

Dice Big Lala: “Partimos de una reflexión crítica respecto a ciertos prácticas invasivas que se encuentran normalizadas actualmente, utilizando los mismos mecanismos que la publicidad”.

Dice Obes, siempre al servicio de la contaminación: “El graffiti se propaga a través del mundo como una serpiente que se muerde la cola. De origen desconocido, siempre estuvo allí. Tag, graffiti, street art, vandalismo, stencil, no importa el nombre o la técnica… todos intentan ocupar el espacio público con creatividad y transgresión. Sí, es casi siempre ilegal, ¿y qué? ¿Nunca escuchaste el concepto de desobediencia civil?”.

Dice Bansky: “Imagino una ciudad donde el graffiti no sea ilegal, una ciudad donde todos puedan dibujar donde quieran. Donde todas las calles estén cubiertas de millones de colores o de pequeñas frases. Donde esperar el ómnibus nunca sea aburrido. Una ciudad como una gran fiesta donde todos estén invitados, no sólo los agentes del gobierno y los barones de las multinacionales”.

2. Técnicas _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _

STICKERS

La técnica es bien sencilla y permite la repetición de diseños por medios de fotocopiadora o impresiones de diversa calidad. Los principales colectivos y artistas que trabajan esta técnica en Montevideo son Big Lala y Alfalfa, pero también lo utilizan firmas como Golfo de Mar, Little Cacho, Seitán y otros artistas. Entre los ejemplos más novedosos se encuentran stickers de gran tamaño y con colores fuertes.

STENCIL

Desde los primeros trabajos de Purple Dog Crew a principios de la década, se vuelve una técnica muy popular entre artistas que buscan un modo de expresión rápido y muy dúctil. Colectivos y artistas como Stencileame, Old City Stencil, Kowalsky, Stuecel, The Flashy y Sabelo Stencil juegan en una línea más figurativa, pop y urbana. También hay muy buenos ejemplos de humor político y de alta carga irónica.

GRAFFITIS

Murales, graffitis, piezas… varias son las formas de nombrar a los trabajos más elaborados y que se empezaron a ver en Montevideo a mediados de los años 90 a partir del trabajos de grupos pioneros entre los que se cuenta Fun You Stupid. La influencia del hiphop y la evolución de un par de generaciones de graffiteros se consolida en el oeste de la ciudad alrededor de la crew Kncr. En los últimos años aparecen otros colectivos y artistas que prueban otras variantes de street art.

TAGS

La firma de un graffitero es una especialidad en sí misma. El camino suele ser siempre el mismo: primero el bombing vandálico con aerosol, hasta tomar la mano y poder tomar caminos más complejos de tags con diferentes colores y estilos como el 3D o el freestyle. Paredes, muros, volquetas, cajas de Ute, chapas, cortinas metálicas, señales de tránsito, todos los espacios públicos son tomados por quienes manejan esta técnica, considerada la escuela de todo graffitero.

PINTADAS

El tradicional graffiti, el que se vale de un aerosol y una frase para comunicar una idea, una consigna o un simple disparate, sigue teniendo su legión de seguidores. Fuera del activismo político que se sigue valiéndose esta herramienta, y de una importante corriente ligada a las hinchadas de equipos de fútbol, la mayoría de quienes la utilizan como camino de expresión personal lo hace de forma anónima y errática.

3. Artistas_ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _

BIG LALA

El personaje big-lala es una versión callejera del panóptico orwelliano. Habitante de la ciudad de Montevideo, el sticker creado por dos jóvenes artistas uruguayas –Eugenia y Agustina- se ha convertido en uno de los iconos del street art local. “Pegar cada sticker lleva muy poco tiempo, y se puede hacer la repetición de forma masiva, además de que el papel es removible. La técnica es eficiente y eficaz, por lo tanto muy productiva”, explican las artistas, quienes definen a su obra como estrictamente montevideana: “La obra tiene sentido en el contexto de nuestra ciudad. Intervenimos lugares como el Cabildo, el Blanes, el monumento al Papa”.
www.biglala.blogspot.com

KNCR CREW

Min, AS1 y Raf son tres graffiteros históricos de la principal crew de la zona oeste de la ciudad, que sigue activa desde sus primeras acciones en el año 2001. Los graffitis y tags de Kncr en el Cerro, La Teja, Paso Molino y Capurro han consolidado a un colectivo cuyo sello de identidad son grandes murales y una estética cercana a la del hiphop. “No hay nadie que te enseñe… se aprende en la calle, practicando: cuando más pintás, mejor lo hacés. La técnica del aerosol es una técnica como cualquier otra”, cuenta Min. Otros graffiteros como Poshy, Deep, Mosh, Cero y el belga Obes han pintado junto con Kncr en diversas oportunidades. Los murales de Kncr pueden verse en casi todos los barrios de Montevideo. “Tratamos de estar en cada barrio; el plan actual del grupo es hacer un barrio diferente por semana”.

MIN

Integrante del colectivo Kncr, destaca como una de las más singulares firmas del graffiti montevideano. Verónica firma como Min y su elaborado tag fue publicado por diferentes publicaciones internacionales dedicadas al street art. Siente que dedicarse al graff es vivir en una utopía. Un mensaje personal: “Esto no es un juego”. Autodefinición: “Siempre trato de pintar en los lugares por donde paso… porque ver algo pintado como cambia un poco la vida, te levanta…” www.fotolog.com/min8

AS1

Empezó a pintar en el liceo y ahora que tiene más de 10 años en la calle es consciente de ser uno de los pioneros del graff en Montevideo y fundador de Kncr. Sus estilos favoritos son el wildstyle y el 3D, y prefiere pintar sobre metal que en muros. Una frase: “Cuando empezamos lo importante era salir del Cerro; el hecho de cruzar el puente era algo raro. Y así empezamos a rayar, a taguear afuera, para hacernos conocidos. Y dijimos: “vamos a tomar la ciudad”… para que no fuese una cosa sólo del barrio”.

RAF POSHY MOSH DEEP

Las firmas de cada graffitero de la crew Kncr tiene un sello personal que la distingue. Raf prefiere el 3D y en sus últimos trabajos pintadas figurativas. Poshy trabaja el tag en altura y con alto riesgo además de sus trabajos murales. Deep y Mosh desarrollan un estilo derivado el bombing. Un mensaje de Raf: “Basta de pintadas políticas que ensucian y te pudren la cabeza”.

PURPLE DOG CREW

El grupo pionero en stencil en Montevideo actuó principalmente en el Centro, Palermo, Cordón y Parque Rodó en los primeros años de la década del 2000, hasta que uno de sus fundadores -El Bestia- emigró a España. Chucky y María Calvario siguen trabajando la técnica, desarrollando una concepción muralista que mantiene la identidad creativa de PDC. “Hay que confiar en nosotros y dejar de copiar estilos que triunfaron afuera”, afirma Calvario. “Tenemos mucha creatividad y originalidad y creo deberíamos aprovecharla, así como a la cantidad de muros que aún están vacíos. La movida está creciendo pero todavía no es entendida de la manera que a mí me gustaría”.
www.purpledogcrew.blogspot.com

MARÍA CALVARIO

María Calvario –ex integrante de PDC- comenzó experimentando con la técnica del stencil. En su última etapa, en solitario o pintando con colegas como Fran, De la Virgen, Bolivianimal, Milie, Fiolence y Dier, estampa en muros y paredes coloridas frases que se basan en el mensaje, la tipografía y el impacto visual. La intención es clara y sencilla: el amor como motor de una revolución mental y espiritual. Luz, color y amor son sus premisas para este camino. “Mi intención es poder liberarme de la placa y en eso estoy… Me gusta dejar frases que siento y creo que es un bonito regalo a la nada, y como yo veo a la nada como al todo, me entrego, y ahí las dejo, quizá a alguien las motiven como a mí cuando las pinto”, dice la artista callejera.
www.calvario.tk

MALACATE

Es el nombre de una banda de rock de Montevideo, pero también es la firma en las paredes de su baterista –Juan Chao- uno de los pioneros del stencil como integrante de la crew PDC. “Me atrae la idea de aplicar el stencil a todo y de utilizar cosas que nadie quiere o desprecia. Utilizar la basura… lo que la gente detesta, para hacer algo bonito y que se puedan mirar las cosas de otra manera”, dice Chao. Entre sus últimas acciones como stencilero destaca la utilización de afiches caseros gigantes para publicitar conciertos de su banda.
www.abchukyxz.blogspot.com

ALFALFA

Nicolás Sánchez es un joven artista uruguayo-venezolano que empezó a trabajar en la calle utilizando marcadores para desarrollar una estética muy personal en la que mixtura una iconografía mística con los cronopios cortazarianos. De figuras simples y stickers pasó a trabajar coloridos y sofisticados murales. Es uno de los graffiteros más activos en el periodo 2007-2009. Suele firmar con dos letras alfa griega superpuestas y un ojo dentro de una pirámide.

ALFALFA MARCADOR

Antes de destacar como muralista, Alfalfa realizó una prolífica obra de pequeñas figuras con marcador azul, siguiendo un circuito geográfico enmarcado en las paredes de las calles Constituyente, Hugo Pratto y adyacentes. Decenas de personajes que refieren a la narrativa de Julio Cortazar se fueron mezclando con una simbología que reinterpreta iconos de diferentes culturas y tradiciones de Occidente y Oriente. Muchos de los personajes de Alfalfa confluyen en el mural que realizó en la pared de Fábrica del Gas, en la Rambla, donde construyó un original arca de Noé, y en una serie de stickers que pegó en el callejón de Pratto.

E.S.

E.S. son las iniciales de uno de los artistas montevideanos más potentes y anárquicos de la escena del street art. Trabaja en tonos blancos y negros: cal y alquitrán. La mezcla es potente y radical, marca de fábrica de un artista a contrapelo de las reglas y ritos de las técnicas más comunes del arte callejero, y que utiliza las paredes como lienzo para desarrollar series de figuras expresionistas. A sus pesadillescos perros de alquitrán se suman esporádicas intervenciones sobre afiches publicitarios. Sus obras se encuentran en la zona sur y centro de Montevideo.

OBES

La estadía durante de un año del artista belga Obes, en el verano de 2005, dejó un legado que hizo escuela en la mayor parte de los artistas montevideanos actuales. Los rostros ligeramente naif, los caballos impresionistas y varios de los más de cien murales que pintó Obes con sus amigos de Kncr siguen presentes en la calle. “Obes soy yo. Un graffiti, muchos graffitis. Es el nombre que me di para descubrirme. Vengo de Polonia, Rusia, Bélgica, Francia, Canadá, Inglaterra, Uruguay… y como todos, de África. Vengo del reencuentro del campo con la ciudad. Vengo de una familia de peregrinos y de artistas. Vengo de donde me voy y de más lejos”, dice el artista nacido en Bruselas. Estuvo en Montevideo por una historia de amor, y terminó enamorándose de la ciudad, especialmente por su permisividad: “Es una ciudad compleja, diversa, única… ¡muy Kncer!”.

STENCILEAME

Carolina y Fiorella fundaron el grupo Stencileame y han recorrido un largo camino en el stencil en los últimos cinco años, desde sus primeras salidas en el año 2004. Activas en la zona sur de la Ciudad, mantienen una impronta decididamente pop en sus diseños. Incursionan también en el estampado de ropa y decoración de tiendas y espacios públicos. “Creemos que tienen más valor los stencils pequeños con muchos detalles que los grandes y ostentosos. Basamos nuestros diseños en cosas que nos interesan o simplemente nos gustan, sin darle demasiada vuelta. Nos sentimos fuertemente influenciadas por la cultura pop, y por el impacto directo que tiene”.
www.stencileame.blogspot.com
www.flickr.com/photos/stencileame

MITÁ I CALLEPEGUA

Toda intervención urbana es un acto político. Eso es lo que afirma y subraya este colectivo de artistas activo desde el año 2007, que utiliza distintas técnicas para generar reacciones y provocar a los habitantes de la ciudad. Desde el stencil en grandes dimensiones hasta la creación de una “infección” con stickers que interpele a la publicidad política, las acciones de Mitá i Callepegua suelen ser sorpresivas y de alto efecto público. “La idea es generar una reacción ante todo eso que poluciona una ciudad que a nivel de imágenes ya está bastante contaminada”, define Sergio, uno de los miembros fundadores del grupo.

BRUSTER SPECIAL

Martín Albornoz es el creador de la firma callejera Bruster, con la que desarrolla una peculiar iconografía que se despliega en stickers de gran formato. Es uno de los históricos del stencil -junto al artista Santiago Velazco y los PDC viene trabajando en calle desde el año 2002- pero también lo utiliza en ámbitos que exceden lo urbano, como la ilustración y la publicidad. Entre sus obras más llamativas destaca un “stencil de sangre” que regaló a su madre, realizado mediante la fusión de la técnica de placa con la del tatuaje.
www.brusterspecial.com

DELAVIRGEN

Las cruces católicas y otros iconos religiosos se multiplican en los dibujos, stickers y estampados de Popi, quien alterna firmas como Sr. Estampador y Delavirgen para sus trabajos callejeros y artísticos. Trabaja una serie de personajes pesadillescos, que tienen su punto de partida en el comic y en la reinterpretación de figuras religiosas. Otro de sus caminos de expresión es el rock, como integrante del poderoso power trío Santa Cruz.

FRAN

Ilustrador y diseñador gráfico, Francisco Cunha encuentra en el trabajo callejero con marcadores, pintadas y stickers una posibilidad para desarrollar una singular y fuerte personalidad artística. Se mueve en solitario, pero desde el año 2007 participa en murales colectivos integrado al trabajo de otros artistas como María Calvario, Sr Estampador y Alfalfa, entre otros.
www.fran.com.uy
www.monterama.com.uy

CREW DEL SUR

El Parque Rodó es centro de reunión de este colectivo de jóvenes influidos por la cultura del hiphop, el graffiti, el skate y el basquet. Empezaron a pintar paredes en 2007 con tags y una serie de murales en los que siguieron el camino del grupo Kncr. Rápidamente han encontrado una identidad propia, fuertemente figurativa. Se especializan en muros tapiados y sus lugares de acción son callejones y muros de Palermo, Sur y Ciudad Vieja.

LALIN

Siluetas de niñas dibujadas con marcadores sobre vidrios, paradas de ómnibus y kioscos son la especialidad de Lalin, quien también diversifica su iconografía a través de stickers de pequeño formato. Una de las artistas más activas en el espacio público de Montevideo en los años 2008 y 2009, sobre todo en la zona sur y este de la ciudad. “Todos los personajes que hago, sean nenas o nenes, tienen una cuota de autoretrato y reflejan mis sentimientos”, dice la joven artista callejera. “No hay un mensaje profundo detrás más que expresarme y compartir mi mundo. A veces estoy contenta, a veces estoy enojada, a veces me quiero morir y otras quiero matar”.

NIÑO DE FUEGO Y NUBECITA

Un fugaz antecedente del trabajo de Lalin fue la aparición de dos personajes dibujados con marcador sobre vidrio hacia finales del año 2006. Niño de Fuego y Nubecita son uno de los pocos y raros ejemplos de relato gráfico callejero en Montevideo.

AGUSTÍN SABELLA

Artista integrante del Fac (Fundación de Arte Contemporáneo), es uno de los más experimentados stencileros uruguayos, tanto en su obra de taller –cuadros de pequeño formato, instalaciones de diversos materiales- como en sus esporádicos trabajos callejeros. Prefiere una iconografía decididamente pop e irónica, destacándose entre sus obras una placa en la figura de Tarzán es intervenida con el rostro del héroe nacional José Artigas.

OLD CITY STENCIL

Entre las diferentes firmas de stencileros que tomaron las paredes montevideanas entre los años 2004 y 2007 destacan artistas y colectivos como Sabelo, Stuecel, The Flashy y los ya destacados Stencileame. Enmarcado su trabajo en la Ciudad Vieja, el grupo Old City presentó varias y originales piezas en paredes de Peatonal Sarandí y en el callejón de Policia Vieja.

PONYS

Los primeros stickers de Big Lala tuvieron fuertes rivales en cuanto a cantidad e impacto en el espacio público. Uno de los personajes que estuvo presente en paredes y muros de Cordón –sobre todo la calle Guayabo-, Centro y Parque Rodó en los años 2006 y 2007 fueron unos enigmáticos ponys de distintos colores y tamaños, aunque generalmente en formato pequeño.

CHE GUEVARA

Confeccionada por el artista pop y músico Santiago Tavella, integrante del grupo de rock Cuarteto de Nos, la serie de los “Che” circuló en algunas exposiciones colectivas y colecciones, pero también se hizo presente en la calle en sus coloridas versiones Personal, Classic, Yankee, Gay, Usted y Nazi.

DIOS TE BENDIGA

La leyenda cuenta que un montevideano decidió agradecerle a Dios por haberle solucionado ciertos problemas personales. De manera imprevista este anónimo personaje se convirtió en el graffitero más original y prolífico de la ciudad. En apenas dos meses pintó la frase “Dios te bendiga” en centenares de columnas de las principales avenidas y calles, dejando un críptico mensaje de su acción en el cruce de 8 de Octubre y Bulevar Artigas.

4. Lugares _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _

LIVING

En la esquina de Juan Paullier y edil Hugo Pratto el pub Living es uno de los lugares preferidos de stencileros y graffiteros. Los responsables del local alientan periódicamente a rediseñar e intervenir la fachada a través de diseños en papel de gran tamaño. Entre los artistas que suelen actuar en la zona destacan The Flashy, Stencileame y varias bandas de rock que utilizan el stencil como publicidad.

CALLEJÓN PRATTO

Durante años, por lo menos desde el 2004, el callejón de Pratto es el centro de la movida del stencil en Montevideo. Ha pasado por diferentes épocas y distintos artistas han dejado su marca y estilos. Las últimas intervenciones de mayor impacto realizadas en el callejón fueron de Alfalfa y los hiphoperos de Crew del Sur.

MERCADO CENTRAL

En el muro que da a la calle Bartolomé Mitre, a pocos metros de la calle Reconquista, aparecen trabajos de varios artistas de la nueva generación de graffiteros. Entre ellos se encuentran trabajos de Fiolence, que destacan por sus fuertes coloridos y un tipo de figuración que se aleja de la cultura hiphop.

CALLE ANSINA

Uno de los muros de la ex calle Ansina fue elegido por el artista belga Obes y años más tarde tomado literalmente, a fines del año 2007, por ex integrantes de PDC como Calvario y Malacate, y otros artistas callejeros como Fran y Delavirgen. Cuando comenzaron los trabajos de construcción del paseo peatonal fueron borrados todas las piezas y murales.

ESTACION YATAY

En un país que no hay trenes no deberían existir graffitis. Pero las vías están, atravesando la zona oeste de la ciudad y los barrios Paso Molino, Sayago y Peñarol. Las grandes paredes de fábricas abandonadas y viejas estaciones como Yatay son el lugar indicado para los grandes murales de la crew Kncr, Obes y otros graffiteros.

FIRMAS EXTRANJERAS

La serie de muros de una extensa cuadra de más de 200 metros en la calle Uruguayana casi Bulevar Artigas es uno de los sitios elegidos, junto al parque Capurro, para que los graffiteros extranjeros de paso por Montevideo dejen estampada su firma. Otras paredes que cumplen esa función están en el barrio Sur, en las cercanías de la Rambla y la calle Carlos Gardel.

ARTE URBANO vs CUBO BLANCO

En diciembre de 2008 el arte urbano llegó a la sala del Centro de Exposiciones del MEC (Plataforma) en una exposición colectiva que contó con curadoría de las integrantes de Big Lala. Integrantes del grupo Kncr, del colectivo Mitá y Callepeguá, el stencilero Agustín Sabella, Golfo de Mar, E.S., Alfalfa, Camila Caballero y otros artistas callejeros uruguayos intervinieron el espacio de la sala oficial junto a las grafffiteras argentinas Analía Regue y Virginia Negri.

- Empecemos hablando de las diferencias notorias entre estas novelas. Perséfone es una historia contada en primera persona, tiene una supuesta protagonista que le da ese título  “griego” al libro, pero a medida que vamos leyendo nos damos cuenta de que el narrador es también muy importante, y también está como fondo la trayectoria de varias bandas de rock ficticias; describe un mundo que, aunque tiene que ver con algunas cosas que podemos ver afuera, es profundamente personal. En cambio, en el caso de Parir, el asunto social está muy marcado: la novela se desarrolla principalmente en el Barrio Sur y podríamos decir que describe un ambiente “semidelincuencial”, por decirlo de alguna manera (hay un secuestro, hay tráfico de drogas, hay accidentes). Groseramente, se podría decir que la novela de Ramiro está basada en la imaginación y la de Andrés, aunque no es un reportaje, tiende más a preocupaciones más cercanas a las de asistentes sociales o políticos.

Andrés Ressia: Sí, yo escribo más inspirado en la observación que en la historia de la literatura o la mitología. Veo que muchas veces se escribe desde ese lugar, similar a como se trabaja en el plano científico o a cómo se construye una casa, ladrillo a ladrillo. Yo no lo hago así, seguramente por desconocimiento (lo que tal vez sea causa de algunos errores o defectos de lo que escribo), pero como lector siempre me impresionó mucho la literatura que tiene un link con lo cotidiano o lo reconocible, así que cuando me dediqué a la fantasía de escribir pensé en lo que me gustaría leer, que va por ahí. Para darte una idea, Pedro Juan Gutiérrez, el cubano, Bukowski, aunque nunca tomé tanto de él. Esa literatura siempre me atrajo y como escritor me parecía que tenía que ir por ahí. No tanto ponerme a hacer una crítica social o tratar de desentramar un problema colectivo, pero sí es verdad que en esta etapa me interesó esa situación adolescente. Se tiende a ver al adolescente como el que realiza acciones condenables y dada mi relativa cercanía a la adolescencia -en los parámetros uruguayos hará poco más de diez años que terminó mi adolescencia-, quería tratar de ver al adolescente como un jugador en un contexto difícil que a veces lo obliga a tomar decisiones que por inexperiencia terminan siendo necesariamente delictivias, como vos decías, pero no se trata exactamente de la delicuencia, sino sobre cómo las personas se ven enredadas en eso partiendo de simple cercanía geográfica o circunstancial con situaciones complicadas, que, lamento decirlo, sí están inspiradas en la realidad.

Ramiro Sanchiz: A primera vista son cosas muy diferentes las que escribimos Andrés y yo. A mí Parir me gustó mucho pero por la página 4 me quedó claro que yo no podría escribir una novela así. En parte lo mío surge de haberme impregnado desde chico con ciencia ficción y fantasía. Surgen cosas como Philip K Dick, esa cosa solipsista, esos personajes cuyo mundo parece ser una triste proyección de ellos. A partir de eso, pretender que pueda haber algún contacto social como uno puede derivar de las novelas de Andrés es muy complicado, si bien por otro lado en mi trabajo hay una fuente de inspiración en hechos que pasaron, no digo unas ganas de retratar una movida o una época, pero sí desde algún punto de vista posible, transfigurar un poco lo que en mi experiencia entre 2002 y 2006, cuando participé de esa movida rockera. Ese sería un punto de contacto, quizá lo resolvamos cada uno a nuestra manera, pero creo que también hay puntos de acercamiento a los que se puede volver, no creo que partamos de puntos opuestos. Por ejemplo, Parir tiene una estructura circular, que es parte de la tradición de la literatura fantástica. Eso tiene muchos puntos en común con Perséfone y con otras novelas éditas e inéditas, como Lineal, donde participa el mismo narrador que rememora desde un futuro cercano lo que está pasando ahora. Quizá ahí, de rebote, encontremos un punto de contacto más allá de las diferencias de la partida.

- Sí, lo de las diferencias era un estímulo para empezar a charlar. Pero se podrían anotar varias semejanzas. Por ejemplo, decía que se trata de la segunda novela édita de cada uno de ustedes y podría agregar que el trabajo de los mantiene una coherencia temática fuerte. En el caso de Ramiro es bastante obvio porque hay personajes en común, un mismo narrador, y en el caso de Andrés, tambien está la atención hacia sectores de la sociedad montevideana actual que no aparecen demasiado representados en la literatura local. Voy a que en el caso de ambos hay un proyecto, hay intereses que no son circunstanciales sino bastante cultivados y personales, y que lo hacen pensar a uno que van a seguir transitando esos caminos. ¿Es así?

Andrés Ressia: Bueno, a mí me pasa que no me atrevo a escribir sobre algo que no sé. Por ejemplo, no me imagino escribiendo sobre una persona de la tercera edad, porque a la hora de escribir con el compromiso con el que uno quiere hacer las cosas es importante la cuestión de ver las cosas desde adentro, sentir, para después trasmitir las cosas de verdad y que no quede como un aparato desmontado o caricaturesco. Puedo escribir sobre lo que tengo a la vez distancia y experiencia. Encontré como un nicho sobre el que escribir, porque uno también va  a las librerías y encuentra alrededor de veinte libros nacionales por mes, es algo que supera la capacidad de lectura del ambiente,  o tal vez haya pocas personas que leen muchísimo, pero frente a ese ambiente me planteé para qué escribir.  ¿Para agregar algo que ya está dicho, usar más papel y generar el libro número 21 del mes? Me pareció que ahí había un hueco digno de explorar, en el sentido de escribir para aportar a un lenguaje crítico, a un pensamiento, a una cultura de pueblo como es esta (estoy convencido de que Montevideo es mucho menos de lo que creemos). Me parecía que si escribía tenían que ser algo que diera para un ping-pong por lo menos, para generar algo, y no algo endogámico para para los pasillos de una facultad, para un mundillo.

- Roberto Echaverren te dedicó un apartado de su última novela, Yo era un brasa. Le puso “Palcante”, el título de tu primera novela.

Andrés Ressia: Hay una referencia, sí, no lo hablé con él, pero hay una acepción de “palcante” que tiene que ver con el canto, el cante hondo, y que viene de España. Volviendo a la pregunta, sí, tengo una idea de seguir por ahí, me plantea conflictos de raíz personal que pueden llegar a tener un interés. Pero nunca se sabe dónde puede terminar uno.

Ramiro Sanchiz: Iba a decir exactmente lo mismo. En mi caso, no sé si hay un proyecto o una tendencia, pero son unos cuantos personajes, situaciones e historia que no sé si “planeo” es la palabra, pero que continúo y continuaría, que son sobre lo que estoy escribiendo ahora mismo. Ahora, por qué y si es tan programático o no, son ideas que fueron surgiendo con los años y que de algún modo con Lineal y Perséfone tuvieron una cristalización y lo lógico para mí sería seguirlas. Pero también puede pasar otra cosa, al margen escribo cuentos, ideas distintas. Es decir, sobre si hay una intención de seguir un proyecto narrativo, diría que sí.

- Siempre hablás de una trilogía que integran 01.Lineal y Perséfone. ¿Cuál sería la tercera pata que no conocemos?

Ramiro Sanchiz: Es complicado. En su momento había una trilogía que de la que Lineal sería la primera parte, Espuma, que estaba escrita, iba a ser la segunda, y la tercera se llamaba Regreso, que tenía una apertura a lo fantástico. Era un proyecto de trilogía que está escrito, pero como no me convenció la manera en que fue hecha Espuma, y mucho menos Regreso, les hice algunos cambios. En este momento estoy dándole unas puntada a una versión muy condensada, casi como un cuento, de Espuma. Así que la trilogía original casi ya no existe, incluso Perséfone ya no tenía nada que ver aparte de lo de los personajes; comenzó como un cuento largo y tenía que ver con un proyecto que teníamos con Matías Bergara, que era un libro de relatos donde cada cuento tenía una especie de portadilla, una ilustración, y Perséfone cerraba este presunto libro que se iba a llamar Malos Recuerdos. Por muchas razones, eso terminó siendo desgajado y se convirtió en Perséfone, que se un libro con un cómic. Pero como tiene tantos puntos en contacto con Lineal y como habría un terce elemento no escrito, sería más bien una trilogía involuntaria, para parafrasear a Levrero. Ahora, se podrían añadir novelas a esta serie, con los mismos personajes. Es como una novela extensa a la que uno le va quitando pedacitos, como a una torta, pero la torta está ahí.

- Andrés decía algo que me hizo pensar de nuevo en las diferencias entre ustedes. Hacías referencia a la manera de relacionarse con el ambiente literario local y me dio la impresión de que estabas orgulloso de no pertenecer a él.

Andrés Ressia: Bueno, no tanto, pero es un hecho. Lo digo porque me cubro de errores involuntarios, para atajarme. Hay muchas cosas de las que no tengo idea, no sé si estoy copiando algo, no tengo mucho leído.

- Voy a que son dos actitudes diferentes. Me imagino, por ejemplo, que vivís de otra cosa.

Andrés Ressia: Soy biólogo y trabajo en un laboratorio de medicamentos, antes trabajé en la Universidad, en la Facultda de Medicina y la Facultad de Ciencias.

-Y en cambio Ramiro participa desde hace años en concursos liteararios, trata de publicar cuentos desde hace tiempo, más o menos trabaja en asuntos relacionados, escribe críticas, participa en mesas redondas, organiza eventos. Aunque son de la misma generación, son distintas formas de intervenir en el campo literario. Teniendo en cuenta eso, sería interesante saber como ven ustedes a los escritores uruguayos de su edad.

Ramiro Sanchiz: En realidad, yo por mucho tiempo tuve la actitud de rehuirle a ese “brillo semioficial” de la literatura, en parte por haber comenzado con una cosa totalmente under como quiso ser el movimiento de ciencia ficción uruguaya. Ese movimiento tenía como una de sus ideas “nosotros no tenemos nada que ver con la cultura”. Yo era muy chico, tendría 16 años, pero heredé muchos odios, lamentablemente, porque me perdí de muchas cosas durante mucho tiempo. Así que es un poco tardía esa voluntad de vincularme más. Hace pocos años que me intereso por leer a gente de mi generación, por ejemplo. Algunas cosas me han gustado mucho, como la novela Oso de trapo, de Horacio Cavallo, o Porrovideo, de Jorge Alfonso, también Fernanda Trías, toda esa generación, por decirlo así. Creo que todo surgió, de alguna manera, con el libro El descontento y la promesa , de alguna manera. Esa antología tiene cuentos de muchos de nosotros y a partir de eso conocí a bastante gente que la tenía vista desde hace tiempo, de Facultad, de concursos como el de la B’nai B’rith, ese tipo de cosas. Empecé a leerlos y me interesó, hice una especie de investigación, y ahí empecé a ver algunos puntos de contacto. Andrés fue uno de los que leí más tardiamente: Parir la leí hará dos semanas y Palcante la estoy leyendo ahora. Quizás era de esas líneas que no invocaba cuando hablaba de literatura de gente de mi edad; digamos que los temas o los grupos con los que más o menos me movía no tanteo que ver con lo que Andrés escribe, y me parece que estuvo bueno leer estas novelas como una manera de incorporar algo distinto. Aunque también es verdad que somos muchos, el panorama es bastante inagotable y surge un autor nuevo por mes. Pero quizás sí, en este punto de mi vida, me estoy interesando más por ver qué pasa, también a veces motivado por escribir en La Diaria o en el blog, pero finalmente lo que hay es una curiosidad.

Andrés Ressia: Yo no creo que pueda emitir un juicio sobre la movida local, pero sí como lector trasmitir cierta experiencia. Como pasa en muchas áreas, el desarrollo hace que las técnicas se vuelvan inaccesibles para los no iniciados. Digamos, es muy fácil entender lo básico que decía Darwin, ahora lo que hace un biólogo molecular si no tenés un cursito hecho es muy difícil de comprender. Lo mismo pasa en informático, etcétera. La sociedad se va disgregando, las artes se ponen muy finas, los círculos se cierras. Está bueno también mirar un poco para afuera. A mí todo lo que pasó con Dani Umpi, por ejemplo, me pareció que fue un buen ejemplo para la movida local. Cuando irrumpió en escena mucha gente fue dura con él, yo también tenía mis prejuicios, pero en Buenos Aires pudo desarrollarse más y volvió revalorizado. No estoy renegando de los mundillos, pero también está bueno destapar la olla, meter un poco de aire y mezclar un poco y no enloquecerse tanto con algunas cosas. Desde ese punto vista, quizás, es que me enorgullezco, como vos decís, de no pertenecer. Yo no tengo formación en algunas finezas ni en sintaxis, he tenido mucha ayuda, de Martín Fernández, por ejemplo, y ahora sí me intereso por esas cosas, incluso me he acercado a la carrera de corrección en la Facultad de Humanidades. Pero esa cosa fina que no tengo también se puede abrir. Creo que el sello Estuario es algo bueno en cuanto rompe con la mercantilización de la literatura que no ayuda al desarrollo de contenidos. Creo que es un ciclo natural: pasó el boom, pasó la posdictadura, pasó el momento de algunos eméritos y ahora aparecen otras voces.

- Ya que lo decís, ¿a cuáles uruguayos de los 50, 60 y 70 leen?

Ramiro Sanchiz: No mucho. Antes de los 80 hay como un gran vacío. Mis lecturas fuertes empiezan en los 80, 90. Nombraría a Felipe Polleri y Levrero, y luego tengo un fondo de literatura de ciencia ficción: Bayeto, Federici, a Dobrinin, que tampoco son mucho. Pensándolo un poco, creo que hay un antes y después de Levrero. Es una figura que con el tiempo se está convirtiendo en lo que fue un Onetti, como centro de la literatura uruguaya. Quizás me gustaría que así fuese, que en unos años se pueda apuntar que Levrero toma ese rol de imantación, que atraiga a gente  que escribe cosas muy distintas, que está en lugares muy diferentes como Pablo Casacuberta o Gabriel Schutz, por nombrar algunos, miran hacia un lado que es el de Levrero. Es una idea personal, un deseo, porque me gusta mucho Levrero. Polleri tiene alguna deuda reconocida con él, también. Nuestra generación, más allá de la gente que pasó por el taller y toda esa cosa “levreriana”, todos tenemos, más o menos voluntariamento o conscientemente, alguna influencia levreriana. Tal vez me parezca eso por haber leído justo este sector de la literatura de mi generación que está muy impregnado de Levrero, pero desde esta perspectiva al menos yo podría decir que a partir de él hay una literatura nacional que me interesa mucho y creo que antes de Levrero hay grandes figuras que ya no son funcionales, como la generación del 45 o los del 60.

Andrés Ressia: No tengo tanto leído. En mi adolsescencia leí a Onetti y después he vuelto a él y para mí funciona como una imagen de referencia, sobre todo por la densidad de climas y la profundidad de personajes que logra. Creo que en el futuro va a ser releído sin marmorizarse, como está pasando ahora.  No vi Mal día para pescar, pero El dirigible podría hacer pensar a alguno en una parodia. Después, si bien he leído algún cuento de Levrero en un momento en que era muy guacho, todavía no me doy cuenta en si está su influencia. Me parece que lo de Lalo Barrubia marca un mojón, también. Obviamente, aunque parezca raro, pasé casi cuatro años de mi vida sin agarrar un libro, alrededor de los 20 años, y además mis amigos no leen.  

- Volvamos a las semejanzas entre lo que escriben. Palcante tiene un aire de ciencia ficción, ya que está contado desde el año 2049, y desde allí se pretende reconstruir un fenómeno social que se dice ocurría en nuestra época, el de los cantegriles montevideanos. Se encuntran unos manuscritos y surge la teoría de que los cantegriles eran un reservorio de cierto tipo de cultura, de códigos, se los presenta como una manera de ver el mundo que se perdió porque se redistribuyó  a la gente que vivía allí en torno a grandes fábricas, en una especie de paralelismo con lo que ocurrió con los conventillos. En ese futuro ficticio, entoces, un estudiante de sociología estudia unos documentos e intenta reconstruir la historia de quienes se resistieron a esa disolución de los cantegriles. Esa preocupacion sociológica, entonces, está matizada por muchísima ficción, lo que haría escapar al libro del casillero de “pura representación social”. En Parir, por otra parte, hay un juego con la circularidad. Es una novela escrita con episodios bastante cortos, que van conectando entre sí de diversas maneras,a veces lúdica, y aunque básicamente se describe al mundo del Barrio Sur, hay una vuelta fantástica. No es tampoco en este caso puro registro, pura voluntad de dar cuenta de algo que está pasando en la Montevideo actual. Eso en cuanto a lo que escribe Andrés y en contra de la idea de que es sólo representación sociológica. Pero también podría decirse algo equivalente, aunque en sentido contrario, de lo que escribe Ramiro, porque su insistencia por dar cuenta de lo que ocurre en determinada escena, aunque tal vez no sea tan visible como la que describe Andrés, la de cierto tipo de rock, el “rock teatral”, que existió y existe en esta   ciudad , también podría ser útil para un historiador o un sociólogo (del tipo de los que se imagina Andrés en Parir) que quisiera ver qué pasaba en la primera década del siglo XXI en Montevideo con la escena juvenil. El mundo de las novelas de Ramiro también tiene un correlato con algunas cosas interesantes que están pasando en Montevideo, más allá de que su atención no esté centrada en asuntos sociológicos. Es decir, para contradecirme un poco a mí mismo, se trata de proyectos literarios distintos, pero no de dos universos literarios separados y contendos en sí mismos, sino que se contaminan, tal vez porque los dos están hablando de lo que pasa en Montevideo por estos años.

Andrés Ressia: Como decís, en mi caso hay una búsqueda lúdica. Hay siempre un ente ficcional que no es sólo una descripción de lo cotidano, si bien está tomado de ahí. Creo que hay un juego con todo lo artístico del rever el mundo, de interpretarlo, creo que la producción del arte es el producto de la modificación cerebral de los aferentes del entorno. Amén de eso, el producto de consumo “historia” debe entretener al escritor y al lector, y por eso creo que hay que tratar de combinar esas dos cosas que mencionabas y que pueden ser contradictorias pero llegan por estar buscando esa otra parte.

Ramiro Sanchiz: Yo creo que quien lea mi novela con esa mirada puede encontar más semejanzas. Como decías, hay un intento, desde caminos distintos, de capturar cierto momento y cierto lugar. Ahora, de cómo lo reconstruyas, de tus ganas de documentar o no, de jugar o lo que fuese, puede ser que tiremos para lados distintos. Hay cosas en común en las novelas de Andrés y las mías, sobre todo habiendo leído las de él estando metido en las mías. Es interesante que algo que podemos ver como muy dispar también tiene puntos de contacto interesante. Hay dos mundos que pueden llegar a tocarse, porque aunque se trata de actores sociales distintos, tienen en común cierta invisibilidad. De algún modo lo de Perséfone, con ese “rock teatral”, como decía Gabriel, no está en el centro del rock, más bien al contrario. La movida que se describe en Lineal y en Perséfone es más bien de toques de cuatro bandas superdesconocidas que capaz que una toca ska y otra metal pero las une esa cosa de estar empezando, de ser una banda under que viene muy maquillada onda Bowie o con toda la parafernalia del metal escandinavo. En Parir también esa gente que no es tan visible, que desde otro ángulo, pero es periferia al fin.

Enlaces

La Invitación (parte 1)

La Invitación (parte 2)